Los Planetas

He vuelto. Ha sido un duro mes de exámenes, pero al fin he vuelto. ¡Cómo Los Planetas en Diciembre! Como gocé ese concierto. Escribí una crónica para "Caverna Gráfica" (http://cavernagrafica.es/?p=542), pero aquí puedo hablar más tranquilo de ello. Joder con Los Planetas. Creo que desde Oasis no me pasaba una obsesión tan enorme, rápida y brutal con un grupo. Me acuerdo de ver el videoclip de "Alegrías del Incendio" en un bar de aquí de Gijón, que lo ponen siempre, y fliparme. Era un videoclip muy raro, pero me llamaba la atención.

Recuerdo que las primeras canciones que escuché de Los Planetas fueron la mencionada "Alegrías del Incendio" y "Los Poetas", porque leyendo sobre ellos por ahí me llamó la atención que cerraran su último disco con una canción de casi 10 minutos. Bueno, luego me enteré que tenían un montón de canciones así, pero era un novato. Entonces llegó Octubre y de la noche a la mañana, me obsesioné con ellos. Fue repentino, porque mi querida amiga Creixell (@WhatLauraDid) y el gran Germán Molina (@GermanMolina) los publicitaban bastante.

Al final acabé decidiendo ir a verles, no sin antes escucharme su larga discografía, (larga son 8 discos, pero bueno, ya me entendéis. Y me di cuenta de una cosa. ¡Estos tíos son grandísimos! Desde el ruidoso inicio de "De Viaje" hasta el final de "Los Poetas", son la hostia. Bien tienen momentos que no me apasionan, sobre todo en sus tres últimos discos, pero son tan grandes que lo suplen. En fin, iré disco por disco, aparte de analizar algún EP. Aquí están Los Planetas.

Medusa EP (1993)

El debut discográfico de la banda de Granada fue producido por Antonio Arias de Lagartija Nick, y contenía 4 temas, que recogen muy bien los inicios de la banda. Si bien la producción no es lo mejor del mundo, funciona bien para los ruidosos temas poperos del disco, empezando por "Pegado a Ti" (¡En la que se entiende a Jota!). "Mi Hermana Pequeña", ya muy difundida por entonces en Radio 3 gracias al concurso de maquetas que organizó la Radio el año anterior, es un tema rápido y frenético. Los patrones del grupo se notan, pero también es cierto que la personalidad que alcanzó la banda posteriormente aún no ha sido desarrollada al 100%, cosa que si se nota en "Super 8" y discos posteriores. Eso si, como siempre, Jota efectivo a la rítmica y Florent dándole caña con la otra guitarra. Las otras dos canciones, "El Centro del Cerebro" y "Cada Vez", funcionan muy bien, pero está lejos del nivel que demostraría la banda en su álbum debut.

Super 8 (1994)
"Super 8" es un debut magnífico. No me parece el mejor disco de los de Jota ni de largo, pero es brutal en su totalidad. Su arranque inmejorable con "De Viaje" ya es increíble, pero la preciosidad ruidosa que es esa canción da paso al magnífico y pegadizo "hit" "Que Puedo Hacer", una de las canciones más recordadas del grupo. Ruido y distorsión, en eso se basa "Super 8". Si a Jota se le entiende poco normalmente, en este disco aún menos. Después del imparable arranque del disco, "Si Está Bien" es la típica canción dolorosa que tiene el grupo, y que da paso a una sucesión de canciones, más o menos buenas, pero que no llegas a decir "Que coñazo". Porque por eso se caracteriza el disco, por una alternancia entre canciones más lentas y más suaves, lo que hace que funcione perfectamente. Los singles son de calidad, como "Briggite", y los no-singles son increíbles ("Jesus", "10000", "Rey Sombra"). Al final del disco hay dos canciones que llaman la atención. La primera, "Desorden", un homenaje del grupo a Ian Curtis, gran inspiración de los granaínos, que incluso grabaron una versión de "Disorder" de Joy Division para un disco tributo. Y si el disco empieza bien, acaba mejor. "La Caja del Diablo" es el cierre perfecto. Una maraña de ruido de 9 minutos, que empieza con una sola guitarra tocando la misma nota y que va ascendiendo hasta romper. Otro clásico de Los Planetas, que desgraciadamente me quedé sin ver.

Pop (1996)
"Pop" es el disco más pop de Los Planetas. Bueno, miento, pero en su época, la de los primeros Planetas, la que va desde "Medusa EP" hasta "Dios Existe" si lo es. Después del chasco (en cierta medida) que supuso "Super 8", el grupo se centró en hacer otro rollo, dentro de su línea, y ahí salió "Pop". "Pop" es el disco de los temazos. Es poner el disco y absorberte en una sucesión de canciones, por lo general cortas, pegadizas y molonas. Excepto el principio, "db", que solo es pegadiza y extremadamente molona. Y genial. Al igual que "La Caja del Diablo", empieza de manera más tranquila y va ascendiendo hasta romper, pero en esta Florent se vuelve aún más loco y Jota no usa apenas distorsión. Al acabar "db" no hay descanso, porque "Una Nueva Prensa Musical" empieza inmediatamente  y a partir de ahí el disco se convierte en un no parar. "Jose y Yo", "Himno Generacional #83", "David y Claudia", "8"... Canción tras canción el disco sigue y sigue, pese a que tiene una excepción (aparte de la mencionada "db"), que es "La Máquina de Escribir", con su extraordinaria sección final. Magistral disco y magistral cierre, la breve pero intensa (y brutal) "Punk". ¿Una opinión puramente personal? Me parece su mejor disco. O al menos con el que la gente debería empezar.

Una Semana en el Motor de un Autobús (1998)
"Una Semana en el Motor de un Autobús" está considerada la obra cumbre no solo de Los Planetas, sino de la música independiente española. Y no seré yo el que diga que no lo es, a pesar de que como ya dije antes, me decanto por "Pop". "Una Semana en el Motor de un Autobús" es una historia del fracaso amoroso, de la drogadicción y de la superación personal. Todo perfectamente recogido en 12 canciones. Solo por las 3 primeras y las 3 últimas el disco ya puede ser considerado de lo mejor que ha habido en España, pero tiene más. El arranque de "Segundo Premio" es simplemente, increíble. Los arreglos de cuerda, la batería, la letra... Todo. No es una canción de ruptura, es LA canción de ruptura, que enlaza directamente con "Desaparecer", rápida, veloz, pero sobre todo eficaz. Después viene el "hit", "La Playa", que muestra por donde saldrían Los Planetas a partir de este disco, por la línea más pop. El disco está lleno de estribillos épicos ("Ciencia Ficción", "Parte de lo que me Debes"), de canciones preciosas ("Montañas de Basura") o de ritmos frenéticos ("Cumpleaños Total"). El trío final empieza con "Toxicosmos", casi 8 minutos que resumen las canciones más largas del grupo: su inicio lento, calmado y bonito y su clímax ruidoso y emocionante. Después llega "Linea 1", una canción que hace plantearse muchas cosas, un puñetazo contra la moral de cualquier persona. Y el final... "La Copa de Europa". Solo puedo decir que... En fin, mirad el vídeo. Obra maestra.

¡Dios Existe! El Rollo Mesiánico de Los Planetas (1999)
Tras el éxito de "Una Semana en el Motor de un Autobús", Los Planetas ya podían hacer lo que quisieran. Pero la verdad, eso no encaja con la filosofía del grupo, y al año de salir el colosal disco, salió este EP, que tenía 4 canciones y que supone el intermedio de la evolución del grupo entre el tercer disco y lo que vino a ser "Unidad de Desplazamiento". Los ruidos del estudio de "( )" dan paso a la primera canción real del disco, "Prueba Esto", un tema hecho para sonar el la radio, para ser un hitazo, que no es tampoco una canción de los 40 Principales, pero ya me entendéis. Un temazo con toda las letras, con un videoclip bastante cutre, pero que se queda en la cabeza irremediablemente. Al igual que en "Una Semana", lo mejor de este EP está tanto al principio como al final. Pese a que "Un Día en las Carreras de Coches" es bastante buena y "Mejor que Muerto", pese a ser larguísima, llega a hacerse corta, la crema del EP está en "Prueba Esto" y en el cierre del mismo, la majestuosa "La Guerra de las Galaxias", una de las canciones mejores producidas del grupo, que ya predice lo que vendría después. El resumen es que "Dios Existe" representa la transición del sonido ruidoso del grupo a el lado más pop y experimental.

Unidad de Desplazamiento (2000)
Los Planetas empezaban el nuevo milenio ya alabados como la banda definitiva del indie español. Pero pese a eso, aún faltaba la consolidación, cerrar una etapa, que se cerró con "Unidad de Desplazamiento". Los de Granada incorporaban plenamente a su sonidos elementos psicodélicos y puramente pop, ayudados por el teclista Banín, que si bien ya estaba en el anterior disco, es aquí donde empieza su aportación más importante al grupo. Esta ya no es la banda que descargaba toda la distorsión en canciones furiosas.Ya solo hay que escuchar la bella "Flotando Sobre Loscos" para verlo. El disco en si es una maravilla, que si bien para mi no es tan bueno como "Pop" y "Una Semana...", si que creo que es de lo más notable del grupo. Tiene canciones que enganchan, que son clásicos instantáneos como "Santos Que Yo Te Pinté", "Un Buen Día" o "Canción Para Ligar", y canciones preciosas como "Que No Sea Kang, Por Favor" o "Paseo por el Parque". Es un disco bonito, creo que es la palabra adecuada, en la que las 13 canciones son buenas. Confieso mi debilidad por "Maniobra de Evasión" y "Plan de Fuga". Puede que no sea el mejor disco de la banda, pero si que realmente es un disco de ponérselo y viajar durante una hora.

Encuentros con Entidades (2002)
El camino de la banda sigue adelante y dispuestos a no defraudar, Los Planetas volvieron a sorprender con un disco que continuaba en la línea de "Unidad de Desplazamiento", pero eliminaba el concepto más psicodélico y buscaba un sonido más convencional, pero que siguiera sonando propio, pero donde también hay hueco para experimentos. Esta es la base de "Encuentros con Entidades", que tiene un inicio comparable a "Una Semana en el Motor de un Autobús", porque la sucesión de "San Juan de la Cruz", "Corrientes Circulares en el Tiempo" y "El Artista Madridista" es simplemente magistral. Quizás el problema del disco sea que después de este trío se desinfla, pero realmente es un discazo. "Temporalmente", "Mil Millones de Veces" o "El Espíritu de la Navidad" no son canciones clásicas pero si  funcionan increíblemente bien en el álbum. El clímax del disco llega con la efímera pero increíble "Pesadilla en el Parque de Atracciones", uno de los clásicos entre los clásicos del grupo, a pesar de que no calló en Madrid. En "Dulces Sueños" vuelven las canciones larguísimas, de menor nivel que las antiguas, y el disco tiene un cierre más que curioso, festivo y lleno de trompetas, "Nosotros Somos los Zíngaros". El disco vino acompañado de un videoclip para cada canción, que merecen la pena ser vistos.

Contra la Ley de la Gravedad (2004)
La fórmula se agotó. Vamos por partes. ¿Es "Contra la Ley de la Gravedad" un mal disco? Para nada. Pero la fórmula mostrada en los dos anteriores discos, de canciones más suaves, con menos distorsión, acabó agotándose y Los Planetas firmaron su discos más flojo. Muy irónico cuando estamos hablando de un disco que tiene canciones de la talla de "No Ardieras", pero simplemente Los Planetas no pudieron repetir el nivel de los 5 primeros trabajos, por varias circunstancias. Pero como dije antes, después del tercer disco podían sacar cualquier cosa y no pasaría nada, seguirían siendo ellos, pero no se iban a atascar. En cierta medida, "Contra la Ley de la Gravedad" es un toque de atención al propio grupo. El disco cuenta con un puñado de canciones muy buenas, como son "Devuélveme la Pasta" o "Experimentos con Gaseosa", pero otras canciones como "124" o "Complementando Compromisos Contractuales" simplemente acaban pareciendo de relleno. Que me gustan, pero bueno. El potencial del disco está en dos canciones, a mi ver: la primera, "Canción del Fin del Mundo", un temazo con todas las letras, vengativo rollo Planetas y muy pegadizo, y "Nunca Me Entero de Nada", tranquila y serena, pero muy muy buena.

La Leyenda del Espacio (2007)
Los Planetas podían haberse separado en 1998 y hubieran quedado como unos Dioses supremos y efímeros, pero eso no pega con la filosofía del grupo para nada, y no lo hicieron. Tras "Contra la Ley de la Gravedad", Jota se dedicó a buscar las raíces de la música andaluza: el flamenco. Conoció a Enrique Morente y escuchó a Camarón y el grupo decidió hacer un cambio radical. Fusionar el flamenco y a Los Planetas, hacer algo nuevo y distinto. Si Enrique Morente lo hizo en "Omega" tirando por el lado más flamenco, Los Planetas lo hicieron en "La Leyenda del Espacio", tirando más hacia ellos, hacia el rock. El single, "Alegrías del Incendio", es todo lo contrario a las canciones pegadizas del grupo, es una canción de amor, de "te echo de menos", animada, alegre y rockera. Por lo general, las letras del disco bajan el nivel, excepto en el caso de "Reunión en la Cumbre", ya que son adaptaciones de obras flamencas y de canciones populares. Hay momentos densísimos, como "Negras las Intenciones", pero el experimento es cuanto menos curioso, y demuestra que Los Planetas no iban a estancarse. Lo mejor en el lado más flamenco está en "El Canto del Bute", "La Verdulera" y "Ya no me Asomo a la Reja", una balada increíble, aparte de en las mencionadas "Alegrías del Incendio" y "Reunión en la Cumbre". Un muy buen disco, pero al que es muy difícil encontrarle el punto.

Una Ópera Egipcia (2010)
No se si la gente me odiará mucho por ello, pero "Una Ópera Egipcia" me parece que, dentro de la línea flamenca/experimental que está siguiendo el grupo, supera a su predecesor, pese a que 3 canciones del disco fueran ya sacadas antes del mismo y una ni siquiera la cante Jota. Pero que bien integrado está el flamenco en este sonido. No es tan denso como en "La Leyenda del Espacio" y se hace mucho más accesible, a pesar de tener un par de canciones que pasan sin más. El arranque del disco, con "La Llave de Oro", "Una Corona de Estrellas" y "Soy un Pobre Granaíno" muestra al grupo en una forma excelente. El disco tiene puntos increíbles, como el dueto con La Bien Querida, "No Se Como te Atreves", clásico enfrentamiento chico-chica. El cierre del álbum, "Los Poetas" es un denso tema de casi 10 minutos con versos del Corán, que Jota recita como si fuera un Mesías, en un delirio electrónico que puede echar para atrás, pero para que mentir, me parece una jodida maravilla. También destacar la bestial "Romance de Juan Osuna", una cancionaza de 5 minutos y medio que usa las estructuras flamencas en un tema oscuro donde el resultado es sobresaliente.

2012

Noel celebra que el mundo no se acabó el 21-12-2012

Admito que mi especial del año pasado de fin de año fue bastante gracioso, sobre todo por la enorme rajada contra Coldplay y The Kooks. Pero este año quería tomármelo más en serio así que he decidido meter MÁS discos y MÁS cosas. 2012 ha sido un año... Raro. Muy raro. No me ha convencido. Si el año pasado fue un alegato a lo clásico, con discos como "El Camino" de los Black Keys, "Suck it and See" de los Arctic Monkeys o "Different Gear, Still Speeding" de Beady Eye, mezclado con experimentos psicodélicos en "Skying" de The Horrors y el despunte de nuevas bandas como The Vaccines, 2012 ha sido muy raro y bastante mediocre.

Ha triunfado la psicodelia. Ha habido una explosión de popularidad del indie electrónico que se ha materializado en ladrillos infumables como el "Beacon" de Two Door Cinema Club. Están los Crystal Castles que con "III" me siguen pareciendo lo mismo que con sus dos anteriores discos: unos petardos. Está Beach House, que ha firmado un gran disco, pero que por cosas como la longitud de sus canciones no es de los mejores discos del año. Está Jake Bugg, que ha cogido un montón de influencias inglesas y las ha plasmado en un buen disco o The Vaccines, que han tirado por la vena rockera y el resultado ha sido más que bueno.

En primer lugar, quería aclarar que esto no es una lista de "Mejores discos del año". Aquí analizaré lo más comentado y lo que más me ha llamado la atención, para lo bueno y para lo malo. Los discos malos que los han sobrevalorados o los discos buenos que se han ensañado con ellos por puro nombre o hype. Así que no me vengáis diciendo cosas porque cuando hable de tal disco diré cual es el disco del año y cual es malísimo. Así que a leer, bitches.

Parte primera: los novatos

Mvnich-INA
De Galicia vienen Mvnich, que ya os hablé de ellos en un post pero me mantengo. Son sencillamente maravillosos. Menudo disco que se han marcado, de lo mejor que ha salido en España este año. Sin desperdicio, y en vinilo tienen que sonar mucho mejor. Tiene todo lo que una banda de shoegaze tiene que tener (excepto una mujer, pero eso ya son manías personales mías). Lo dicho, señor discazo, desde "Magnicide", pasando por "The Outside Ghost", con temazos como "Silver Rain" y con el magnífico cierre que supone "Dream K". Lo dicho, un disco que merece la pena y probablemente lo mejor que  podáis encontrar este año en el apartado de discos nacionales. Porque bueno, seamos sinceros, tampoco es que 2012 haya sido un año excepcional para España, pero encontrar grupos y sobre todo, discos así de grupos españoles, independientemente del idioma en el que canten, te hace darte cuenta de que no está todo perdido por estas tierras, y que narices, no lo está. Solo hay que rebuscar, y mientras estén Mvnich por ahí, creo que las cosas, a menos en los terrenos alejados del mainstream, irá bien.

Jake Bugg-Jake Bugg
Solo tiene 18 años y un número 1 en las listas inglesas, pero seamos directos. ¿Es "Jake Bugg" el disco del año? No. Ni siquiera es el mejor disco del año, aunque cuente con muy buenos temas como "Two Fingers" o "Ballad of Mr Jones" y aunque realmente no haya ninguna canción que me disguste, es cierto que el conjunto no da la talla de "Disco del Año". De todas formas se agradece y mucho que alguien tan joven se atreva a hacer un disco que ahonde en las raíces del rock inglés, desde los Beatles hasta Miles Kane, pasando por Oasis o The Jam. Quizás, a la vez de la virtud del cantautor, sea el defecto tanto del disco como de él mismo: suena demasiado a algo ya visto, y no parece que haya un esfuerzo para separarlo de ello. Por ejemplo, Blur no inventaron nada, pero lo que hicieron lo hicieron tan propio que ya da igual, porque consiguieron transformar lo hecho en algo personal. Y probablemente lo que le falte a Jake Bugg sea eso. Por ejemplo, ¿Por qué Alex Turner en "Submarine" hace un pop tontorrón ya muy visto y sin embargo queda mejor que esto? Porque ahí está la clave, en convertirlo en un estilo personal. Si escuchas "Lightning Bolt" está muy muy bien, pero no puedes evitar pensar "Chico, no eres el Bob Dylan de "Blonde on Blonde", así que se tu mismo.

Rachel Zeffira-The Deserters
Cuando super que la voz femenina de Cat's Eyes iba a lanzar su disco en solitario, no dude en que sería de lo más destacable del año, porque Rachel Zeffira tiene tanto talento musical como voz. Apoyada por TOY, de los que hablaré más adelante y miembros de S.C.U.M, además de por Faris Badwan, su compañero en Cat Eye's, Rachel Zeffira ha logrado grabar un disco que no es lo que suele sonar en las listas de éxitos, pero que es sensacional. Una preciosa mezcla de pop y música clásica, en unos temas apostando más para lo segundo, como "The Deserters" o "Front Door", y en otros tirando más hacia el lado pop de la cantante, como la sensacional "Break the Spell", que si recuerda más a las bandas anteriormente mencionadas o a Cat's Eyes, con el uso de sintetizadores predominante. Y además, tiene un cover de "To Here Knows When", de My Bloody Valentine, en estilo clásico que da gusto oírlo. Pero mucho. Pese a esto, en el disco predominan la orquesta, la cuerda y la voz de Rachel Zeffira, extraordinaria, aunque es lo que hay que esperarse de una soprano como ella. Y además es ligero y corto, ¿Qué más pedir?

Alt-J (∆)-An Awesome Wave
NO, "An Awesome Wave" deja mucho que desear como disco y sobre todo, NO es el disco del año. Lo de la experimentación está muy bien, pero la robotizada voz de "Intro", los interludios sin venir a cuento (aún me pregunto que pintan en este disco) o el exceso de instrumentación hacen del debut de Alt-J un disco bastante mediocre. Para que negarnos. No se que le ha visto la gente, pero hay momentos, como "Breezeblocks" o "Dissolve Me" que te dejan con cara de poker total, por no saber que hacer. Los efectos llegan a sonar inconexos y el destiempo de la percusión en muchas canciones me hace preguntarme lo que la gente le ha visto a este disco. En cierto modo me recuerda a Animal Collective, más que nada porque ya he recibido varios improperios serios contra mi gusto musical por criticar este disco. Seré yo, quien sabe. Sea lo que sea, el festival que se los lleve este verano habrá incurrido en un gran fallo contratándolos. Bueno, probablemente no, porque la horda de gente que irá para decir "He visto a Alt-J", como pasó en el Primavera Club con el horrendo Ariel Pink, será una fuente de ingresos seguros.

Lana del Rey-Born to Die
Cuando se anunció a Lana del Rey como la nueva musa y señora del sector del moderneo, la gente se echó a los pies de Elizabeth Grant, que ya había publicado un álbum bajo otro pseudónimo. La cosa duró poco, ya que la ahora renombrada Lana del Rey decidió hacer lo que haría cualquier persona que es la nueva sensación musical y apenas ha sacado un single: aprovechar la fama. Salió en anuncios, sacó campañas publicitarias, tocó en la tele y el disco fue un éxito arrollador. La historia duró dos telediarios, porque el sector moderno empezó a crucificarla, pero nuevamente, esto fue hasta bueno para ella, que levantó su fama a un nivel muy grande, como se demuestra en la campaña de H&M. ¿El disco? No puedo decir que es buen disco, pero si interesante. Tiene momentos tan malos ("Off the Races", "Summertime Sadness") como buenos ("Born to Die", "National Anthem"). Sin embargo, no se puede negar que "Born to Die" no tenga temazos, porque los tiene, y tiene canciones muy buenas. Concretamente son la balada "Video Games" y la canción que barre al resto del disco, y que demuestra que con un poco más de tiempo, el disco hubiera mejorado teniendo mejores canciones: "Blue Jeans".

TOY-Toy
Estaba deseando más que nada hablar de este disco. ¿Es "Toy" el debut del año? Yo diría que si. Tachados, muy demagogamente, de copia de The Horrors (son bastante amigos y los han teloneado), TOY han sabido sorprender y regalarnos un debut maravilloso de principio a fin. Si, beben de las mismas influencias que The Horrors y S.C.U.M, pero es el toque, ese toque personal tirando más hacia el krautrock y hacia el post-punk que le dan lo que les hace especiales y único. El "motorik" de Neu! también está presente, y canciones como "Motoring", "My Heart Skips a Beat" o "Colours Running Out" juntan algo que a día de hoy es muy difícil de juntar ya que se hace mal: la psicodelia con lo pegadizo. Que se te quede. Que la linea de bajo se te quede pegada y no te la puedas quitar o que la voz de Tom Dougall, tan grave y atmosférica como es, se te quede en la cabeza cantando los versos de "Dead & Gone" o "Lose My Way". Tuve la oportunidad de verlos en directo y fue un concierto sensacional. Y cerraron con la canción que cierra el disco, la grandiosa "Kopter", la de los 5 últimos mejores minutos de canción que se han escuchado en este año y la que te hace recordar que hay muy, muy buena música. Y por eso, "Toy" es el debut del año.



Parte segunda: los no tan novatos

Ringo Deathstarr-Mauve
Admito que me llamaron la atención por el nombre, porque que nombre, madre mía. Ringo Deathstarr suenan a My Bloody Valentine por todos los lados, salvando las distancias, y eso los hace buenos, muy muy buenos. Pero con unos toques experimentales geniales en canciones como "Drag" que hacen que "Mauve" adquiera un sonido muy muy bueno. Las canciones, por lo general cortas, no cansan y el disco pasa rápido, porque ahí está el punto fuerte del disco: es ambiental, pero no te dan ganas de quitarlo. El segundo disco de la banda americana, en resumen, logra juntar tres cosas con un resultado bastante bueno y que engancha: Hace que el shoegaze, tan ambiental, no se haga pesado, lo mecla con psicodelia y además deja un muy buen  recuerdo. Experimentación si, pero bien hecha, porque si es malo es malo y que sea experimental no es una excusa, pero en el caso de "Mauve", la experimentalidad se agradece. Habré que observarles de cerca.

The Vaccines-Come of Age
Hablar de The Vaccines y sobre todo de su segundo disco es adentrarse en un terreno peligroso. Unos dicen que están sobrevalorados y otros que es la banda que va a salvar el rock, pero realmente no es ninguno de los dos, sobre todo considerando que el rock, de momento, está bastante mejor que hace unos años (aunque 2012 ha sido mediocre). The Vaccines son simplemente cuatro amigos que hacen música y que tienen el talento suficiente como para dejarnos un debut lleno de temazos y un segundo disco que lo supera. Menos temazos, menos indie y más rock, y ahí está el potencial de "Come of Age", el abandono del continuo machaque y de la homogeneidad del debut para, dentro de su línea y sin cambiar gran cosa, hacer un alegato más rockero. Los temazos no fallan ("Teenage Icon", "Bad Mood", "No Hope"), pero además al disco lo acompañan una gran selección de canciones muy potentes, que si bien fuera del disco no son tan buenas, dentro del disco hacen del mismo algo muy bueno ("Aftershave Ocean", "Ghost Town", "I Wish I Was a Girl"). Los he visto dos veces en directo este año y su mejoría, tanto en estudio como en directo, es evidente.

The xx-Coexist
Había muchas expectativas ante el segundo disco de The xx después de aquel bombazo minimalista que había sido "xx" y no me extraña. Pero el adelanto, "Angels" demostraba que The xx aún tenían fuerza y habían venido para quedarse, que no iban a ser "los del debut de la x". Tirando más de la electrónica derivada de los desvíos en solitario de Jamie xx y con menos guitarra que su predecesor, "Coexist" no supone una mejoría al anterior trabajo, pero si una evolución muy decente. Lo que no viene junto al disco es la decepción, porque con temas como "Chained" o "Reunion" difícilmente puede llamarse al segundo disco de The xx algo que sea inferior a "buen disco". Porque "Coexist" es un disco bastante bueno, menos monótono que el debut pero también con menos enganche, y quizás eso sea el fallo principal del disco. Como en "xx", el disco peca de empezar demasiado bien para pasar a una parte intermedia bastante floja comparada con la principal, pero que remonta desde "Tides" para concluir con la preciosa e increíble "Our Song", que muestra las diferencias entre el primer y el segundo disco dentro de la línea del grupo, pero avanzando hacia delante.

Beach House-Bloom
Para que el pop electrónico casi ambiental me guste lo que se hace tiene que ser muy bueno, y por qué negarlo, "Bloom" de Beach House es un disco muy bueno, pero que debido a varios problemas acaba fallando y perdiendo la aspiración a ser el disco del año. De todas formas negar su calidad es una estupidez, y solo por el inicio con "Myth" ya se demuestra que estamos ante un gran disco. Las voces están muy bien manipuladas para que pertenezcan al conjunto ambiental en el que se desarrolla el disco, donde todos los instrumentos practicamente al mismo nivel, no hay guitarras protagonistas, ni líneas de bajo que destaquen, pero si es cierto que esto estropearía el disco. Personalmente, considero que "Bloom" tiene dos fallos principales: el primero es una estúpida manía mía, pero no puedo con las baterías electrónicas o generadas artificialmente, lo cual me echa un poco para atrás. Es una tontería pero es lo que hay. Lo segundo es que las canciones por lo general duran 5 minutos, con lo cual pueden llegar a hacerse bastante largas. Pero lo que importa al fin de al cabo es que Beach House han hecho un disco más que bueno en un estilo no accesible para todo el mundo y que puede convencer a la mayoría de la gente, y eso es muy meritorio.

Muse-The 2nd Law
Que difícil es hablar de esta banda y sobre todo de este disco, porque es... Raro. Muy raro, hasta para Muse, que no se caracterizan por ser los tíos más normales del planeta. En fin. "The 2nd Law" empieza con una ventaja: es mejor que su antecesor, "The Resistance", quizás porque a Matt Bellamy se le ha quitado la tontería de la cabeza sobre cosas super mega épicas y revoluciones mundiales a través de su megalómana música. Si bien es cierto que el principio con "Supremacy" o la motivadora "Survival" pueden parecer eso, el disco se desarrolla en un ambiente menos épico que lo anterior, y eso es una buena noticia. Pero aún así, "The 2nd Law" tiene un problema: empieza bien, pero en "Madness" baja, para subir brutalmente desde "Panic Station" hasta "Survival", para casi tocar fondo en "Follow Me" y para llegar a la cumbre del disco, "Animals", con el ritmo que tiene, el sintetizador de fondo, el bajo, todo. Probablemente de las mejores canciones de la banda de los últimos años. El problema es que a partir de ahí el disco va muriendo. "Explorers" es bonita pero demasiado larga y "Big Freeze" es el hundimiento del disco en un intento de U2. Lo más destacable del final quizás sea "Isolated System", un cierre de disco muy tranquilo y anticlimático.

Grupo de Expertos Solynieve-El Eje de la Tierra
Jota de los Planetas y su proyecto paralelo, Grupo de Expertos Solynieve, se atrevieron en medio del descanso de Los Planetas a lanzar su segundo disco, que es de los más destacado del panorama nacional. Mejorando el primer disco, "El Eje de la Tierra" es un disco corto y directo, de canciones cortas influenciadas por la música tradicional de Granada, en un disco mucho más andaluz del que nos podría ofrecer Los Planetas o Lagartija Nick, de donde procede el guitarrista. Incluyendo una versión y con letras de Manuel Ferrón, el disco mezcla rock, pop y música tradicional andaluza, en un resultado bastante destacable a falta de la seguía en el estudio de Los Planetas. Lo mejor está en canciones como "La Nueva Reconquista de Graná" o "Merienda de Negro", pero en general el disco mantiene el nivel durante todos los minutos exceptuando un par de temas como "Perros Muertos". Además, tiene mucha coña oír a Jota cantando con perfecto acento granadino, acento que no pone ni es las canciones más flamencas de "La Leyenda del Espacio".

Pond-Bear, Wives, Denim
"Beard, Wives, Denim" es un alegato de Nick Allbrook y Jay Watson contra los que afirman que Pond es simplemente un proyecto alterno de ellos al margen de Tame Impala. Un disco que empieza con el pepinazo que es "Fantastic Explosion of Time" es mucho más que eso. Abandonando las jams interminables por un rock psicodélico más destinado al público, Pond sacó a principios de este año un señor discazo que da gusto ponerse una y otra vez, porque las canciones pasan de una en una agradando al oyente. Cosas como "Moth Wings", "When It Explodes" o "Eye Pattern Blindness" hacen que el cuarto disco de Pond sea por méritos propios de lo mejor del año. Y pese a que Kevin Parker es productor y batería del grupo (luego hablaré de Tame Impala), hay que destacar que solo participó componiendo en dos canciones, lo que nos da una clara conclusión: Pond no es Tame Impala y hay que saber valorarlo por ello. Y no por el hecho de que no sean Tame Impala van a ser malos. Y si algo tengo que destacar por encima de todo son los interludios instrumentales de muchas canciones, donde se ve el talento de los jovenzuelos Pond.

Grizzly Bear-Shields
Al principio el aparente caos de sónidos de Grizzly Bear puede llegar a estresar y a hacer difícil la escucha, pero poco a poco uno se da cuenta de que nada de lo que hay en "Shields" está puesto porque si, todo corresponde a una armonía que al principio es difícil de encontrar, pero que no voy a negar, existe y hace que el cuarto disco de los americanos sea realmente un muy buen disco. Si Tame Impala son la psicodelia rockera y The Horrors la ambiental, Grizzly Bear es la parte más sensorial de la psicodelia, la que te hace flipar cuando escuchas no solo las canciones en si, si no la mezcla, los instrumentos y la combinación de todos los sonidos en el conjunto del disco. Sinceramente, no he visto directos de ellos, pero realmente me cuesta creer que el excelente resultado en estudio de canciones como "Sleeping Ute" se pueda reproducir en directo. Porque dentro del disco las canciones funcionan excelentemente. A Grizzly Bear se le etiqueta dentro del "folk psicodélico", pero muy a mi pesar para los que ponen etiquetas a todo, Grizzly Bear son bastante inclasificables. Y eso los hace muy buenos.

Disco del año: Tame Impala-Lonerism

Tame Impala-Lonerism
Cuando salió lo dije: no saldrá ni ha salido un disco en 2012 que pueda llegar al elevado nivel de "Lonerism". Y no lo hay. Discos como este salen una vez cada mucho tiempo. Kevin Parker lo ha vuelto hacer, pero esta vez convirtiendo la psicodelia tan buena de "Innerspeaker", de lo mejor de 2010, en algo más pop, más melódico y más accesible al público, lo que le hace grandioso. Ya el arranque de batería de "Be Above It" con esa cantidad de efectos te sume en un viaje musical de 50 minutos con canciones como "Endors Toi", "Keep on Lying" o "Mind Mischief". Esta vez la ambientalidad del debut se combina perfectamente con el pop, pero de una forma más clásica y más novedosa, y el resultado es excelente. El ejemplo perfecto es "Apocalypse Dreams", que empieza siendo una canción pop sacada de los 60 y que se tranforma hacia la mitad en una coda larga de psicodelia e instrumentación. "Elephant" es un puñetazo directo a la música actual: es la prueba de que el rock no está muerto, de que los riffs básicos mandan y de que aún hay muchísimo por hacer. El climax del álbum llega en la popera "Feels Like We Only Go Backwards", que podría haberse hecho hace 40 años y sería igual de buena, con las preciosa armonías vocales y una línea de bajo de las que ya no se hacen.

Señores, Tame Impala se ha marcado el disco del año, lo han petado. Con 50 minutos de rock psicodélicos mejor planteados que en su debut, la banda de Kevin Parker se ha ganado un estatus indiscutible en la música actual. Pero aún queda el tercer disco, el de consolidación. Y lo mejor de todo es que confio en Kevin Parker como en ningún músico de la actualidad.


Parte tercera: los veteranos

Paul Weller-Sonik Kicks
Que Paul Weller es un genio es algo ya indiscutible. Lo demostró en The Jam, con esa pedazo evolución de 1977 a 1982, de "In the City" a "The Gift", pero la gente no le aceptó del todo hasta 1995, cuando salió el monstruoso "Stanley Road". Cuando ya parecía destinado a ser un artista de hacer "un disco más", Paul Weller se quitó la mascara una vez más y decidió vivir su tercera o cuarta juventud sacando "22 Dreams" y "Wake Up the Nation" dos de los mejores discos que han salido desde el año 2000. Y "Sonik Kicks" no es la excepción, es la evolución de los dos anteriores discos. Con el concepto de "Wake Up the Nation" (canciones cortas y sin descanso), "Sonik Kicks" es un paso más allá, más experimental, psicodélico y electrónico. "Green" es un delirio veloz, "Kling I Klang" es como modernear a The Jam y "That Dangerous Age" es la prueba de que Paul Weller sigue siendo el modfather. Canciones como "When Your Garden's Overgrown" o "Around the Lake" demuestran que tenemos Paul para rato. Y mucho mejor.

Jack White-Blunderbuss
La separación de The White Stripes fue casi un trauma para mi, pese a que aún nos quedan los Raconteurs y The Dead Weather están ahí, pero saber que nunca vería al mejor dúo musical que ha dado Norteamerica me fastidió bastante. Hasta que supe que Jack White debutaba en solitario, ¡Y que debut! Tiene todo lo que espero de él y más. Es un disco de rock, pero no un disco de los White Stripes o de los Raconteurs: es un disco de Jack White. Predomina la balada y el piano, cosa que no podía explotar en ninguno de los grupos, y quizás eso se agradezca, porque el resultado es buenísimo. Solo hay que ver como empieza el disco, con "Missing Pieces" para ver el resultado. Canciones como "Hypocritical Kiss" o "Hip (Eponymous) Poor Boy" hablan de la grandeza de este hombre. Y también hay sitio para los trallazos rockeros: está "Sixteen Saltines", que bueno, que decir de ella. Está la versión de "I'm Shakin'" que Jack White hace completamente suya y está tambien "Freedom at 21", con un pedazo de riff como la copa de un pino. ¿Queda claro que Jack White es el está salvando todo el cotarro del rock en América?

Bob Dylan-Tempest
Dylan no está muerto, está más vivo que nunca y lo demuestra cada día más. Se le criticó por su directo e hizo de sus directos algo brutal. Yo tuve la ocasión de verle en el Festival Internacional de Benicassim y lo de ese tío en concierto es algo monumental. Nadie se desenvuelve con esa elegancia sobre el escenario, sin decir ni un "hola", pero enganchándote. Y nadie tiene esa banda. Decían que "Tempest" iba a ser el canto de cisne de Robert Zimmerman, pero siempre se dice eso del viejo Dylan, y parece que, por suerte, nunca nos dejará. Tres momentos que destacar en "Tempest", el mejor disco del siglo XXI de Bob: el primero, el inicio del disco, "Duquesne Whistle", una canción pegadiza, y relativamente larga (con Bob Dylan todo es relativo), pero sobre todo un temazo de blues de esos que ya nadie se atreve a hacer. Nadie menos Bob Dylan, por supuesto. El segundo, "Tempest", una canción monumental de 14 minutos sobre el Titanic. Poca gente puede marcarse una canción monótona como esa y hacerla también. Nadie menos Bob Dylan, por supuesto. Y tercero: "Roll On John", un homenaje tardío a John Lennon. Se han hecho muchos homenajes a John, pero nadie lo puede hacer como Bob Dylan. Habrá imitadores a mansalva, pero Bob Dylan solo hay y solo habrá y solo hubo uno.

Spiritualized-Sweet Heart Sweet Light
Ha pasado mucho tiempo y ha habido muchos discos desde "Ladies and Gentlemen, We Are Floating in Space", pero Spiritualized han sabido seguir y han hecho, este año 2012, su probablemente mejor disco desde aquel monstruoso disco al que se le puso la etiqueta de "space-rock" de 1998. Jason Pierce sigue tan potente como siempre y lo demuestra en los 60 minutos que dura el disco, una oda al rock underground noventero que siempre han representado Spiritualized. Y es que empezar un disco como un pepinazo como es "Hey Jane" ya dice mucho, pero aunque desgraciadamente el resto del disco no esté a la altura de la canción que lo abre, no se puede decir que sea decepcionante en absoluto. Estamos ante un disco muy muy bueno. Con un toque más feliz y animado que los anteriores trabajos del grupo, pero sin perder la esencia de Spiritualized, los de Jason Pierce lanzan un claro mensaje: que fueron una de las grandes banda de los 90 y que no debemos olvidarnos nunca, nunca de ellos.

The Beach Boys-That's Why God Made the Radio
Brian Wilson nunca debió abandonar a los Beach Boys. O más bien los Beach Boys no debieron continuar mientras Brian Wilson no estaba, porque eso que tiene Mike Love, el miembro menos talentoso de los Beach Boys originales, no puede llamarse de la misma manera que la gran banda americana de los 60. Y esto lo demuestra "That's Why God Made the Radio". La mano de Brian Wilson está más presente que nunca, bueno, si obviamos el periodo "Pet Sound"/"Smile", pero ya me entendéis. El nuevo disco de los Beach Boys, concidiendo con su reunión por el 50 aniversario de la banda muestra a los componentes originales en muy buena forma, con una colección de canciones bastante potentes, que más que una oda a la vida surfera y apacible que meditaban los discos de los Beach Boys hasta "Pet Sounds", "That's Why God Made the Radio" es un disco nostálgico, lleno de anhelo a la juventud. Solo hay que escuchar "Summer's Gone" para darse cuenta de ello. Porque sobre todo, es un disco reflexivo, con grandes momentos como la canción homónima, "The Private Life of Bill and Sue" o "Strange World".



Parte cuarta y última: los temazos

Blur-Under the Westway
La reunión de Blur de 2012 sirvió para comprobar varias cosas, y por desgracia, no todas fueron buenas. Pero el doble cara a que lanzaron este año demostró que tan pronto te pueden hacer una canción preciosa como "Under the Westway" como una horterada que vale de cara b de "13" como es "The Puritant". Pero centrémonos en lo bueno: "Under the Westway" es una balada de piano épica, una balada de esas que Blur hace tan bien, como "This is a Low" o "No Distance Left to Run", añadiéndole además un pequeño homenaje a la ciudad que fue este año olímpica (no nos olvidemos que Blur volvió en parte para tocar en la clausura de los Juegos Olímpicos en Hyde Park). En fin, no se que les espera a Blur este 2013, sobre todo con un Damon Albarn tan impredecible, que tan pronto parece que Blur va a volver a su época de gloria como que está allí por cumplir, pero espero que las cosas salgan como "Under the Westway" y no como "The Puritan".

Tame Impala-Elephant
Los Tame Impala más rockeros llegan en "Elephant", el primer single de "Lonerism". Y que single, señor... Solo por ese riff básico que se repite durante toda la canción ya vale un mundo, pero el momento en el que la canción rompe en el solo es como llegar al cielo psicodélico. Tame Impala han sabido hacer un hitazo dentro de su estilo, sin salirse de su rollo pero haciendo que llegue, y vaya si llega. Es de esas canciones que te quedan marcadas, ya no solo la letra, porque se podría decir que no tiene ni estribillo, pero cada segundo de la canción se queda en la memoria, por todo, por los efectos de guitarra de Kevin Parker, por la distorsión del bajo o por los "Yeah!", por lo que sea. Cuando parece que el rock psicodélico se agota, que pierde su valor por el excesivo uso del término en la prensa (como pasa con cualquier etiqueta), llegan Tame Impala para recordarnos como se hace la buena psicodelia, nada de experimentación aburrida e inentendible: desde las raíces del rock, como "Elephant", se puede hacer un gran temazo psicodélico.

The Vaccines-Teenage Icon
El sencillismo de The Vaccines nos puede enseñar varias cosas, como que la gente en cierto modo está cansada de tanto petardo inaguantable que critica a grupos como Oasis o The Beatles por parecerles sencillos. Lo de estos últimos me hace más gracia porque The Beatles de sencillos no tienen un pijo, pero si no los escuchas es lo que tiene. En cierto modo "Teenage Icon" es una oda a eso, a la sencillez, distanciándose de los mensajes que se dan últimamente en la música, que más que de querer ser famoso y grande son de querer parecer el más culto, listo y extraño a la vez. Los tres minutos escasos de "Teenage Icon" no defienden más que eso, que The Vaccines son una banda de cuatro colegas que tocan y se lo pasan bien y no tienen más intenciones ("I'm no teenage icon/I'm not Frankie Avalon/I'm nobody's hero"). Y quizás eso sea como debería juzgarles, porque si bien "Teenage Icon" no es nada novedoso, es un gran tema de guitarras, rápido y pegadizo, siempre dentro de lo sencillo, y eso está muy bien.

The Rolling Stones-Doom and Gloom
Cuando vi que la gira de 2012 de los Rolling volvería con temas nuevos pensé que quizás un disco nuevo estaría bien, aunque realmente no creo que tengan disco bueno desde "Tattoo You", pero que narices, son los Rolling Stones. El caso es que me llevé un chasco al ver que solo habría dos canciones nuevas y estarían incluidas en un recopilatorio, "Grrr!". Entonces escuché "Doom and Gloom" y solo puedo decir: JODER. Que temazo, señor. Que tengan que venir unos tíos de 70 años a recordarnos que el rock es lo que manda en la música desde 1955 es triste, si, pero por otra parte me alegra mucho, porque los Rolling no están muertos, y eso es una buena noticia pese a que el estado de salud de Keith Richards no siempre sea el mejor. La canción en si es la típica canción sexual de los Rolling Stones, pero tienen tantas y tan buenas que "Doom and Gloom" en 2012 suena tan bien como cualquiera de ellas en 1978. Así que más os vale disfrutar de la magia guitarrera de los Stones, porque hace mucha falta.

Bob Dylan-Duquesne Whistle
"Duquesne Whistle" podría ser una de esas canciones de Dylan tan buenas pero que nunca fueron single, pero afortunadamente esta vez acertó y lo eligió como single principal de su "Tempest". Alegre y calmada, sabe transmitir una sensación de apacibilidad de relajación, mjy distinta a aquel Dylan de 1963 que con una acústica vertía toda su rabia. Bob ha cambiado mucho, hasta volverse practicamente impredecible, pero quizás ahí está la gracia del viejo Dylan, el hecho de no saber cual será su próximo movimiento, a pesar de ser un tipo que con más de 70 años nada lo puede parar. Pasando de las críticas y con un directo cada vez mejor, Dylan nos ofrece canciones con aire clásico, de blues muy curradas, que tienen el inconfundible sello de su rota voz y sus geniales letras, que incluso en 2012 se manifiestan, pese que "Duquesne Whistle" no ofrece al Dylan más potente líricamente hablando.

Spiritualized-Hey Jane
Dura más de 8 minutos y es una genialidad, porque Spiritualized son geniales. La segunda canción del "Sweet Heart Sweet Light" es larga, pero cuando parece que en el minuto 3 ha acabado después de un redoble bastante psicodélico, la canción vuelve a aparecer mejor que nunca, con un puente guitarrero adornado con coros lejanos y muy buen llevado por el bajo y la batería, aumentando en intensidad hasta que la voz de Jason Pierce vuelve. La canción mantiene el estilo más alegre y popero del último disco de la banda y aprecia no solo la evolución de Spaceman 3 a Spiritualized, si no la propia evolución dentro del grupo, porque la diferencia entre esta canción y no se, por poner un ejemplo, "Come Together" es bastante grande, aunque siempre manteniéndose en la linea del grupo. La coda de la canción es preciosa (donde se repite el título del disco). Para acabar, hacer mención especial al video, un casi corto de 10 minutos sobre un travesti que no tiene desperdicio.

Paul Weller-That Dangerous Age
Si no recuerdo mal, la canción salió en 2011 como adelanto de "Sonik Kicks", pero eso tampoco importa demasiado. "That Dangerous Age" es una de las pruebas más concluyentes de que Paul Weller es un genio. No deja de ser una canción sencilla, de las que hacía en su primera época como solista, pero tal como esta hecha, con el componente electrónico/psicodélico, hace que el resultado sea mucho mejor. En realidad la canción no es más que un riff básico de 4 acordes, de esos que hacía en The Jam y que le salían como churro y que recuerdan a The Who o The Kinks, pero lleva el sello modfather, es muy pegadiza y además los arreglos de la canción son excelentes. Directa a convertirse en uno de los clásicos de Paul Weller en solitario, solo nos queda dos cosas por preguntarnos: lo primero, ¿Qué puede ofrecernos Paul después de llegar a "Sonik Kicks"? Y segunda: ¿Cómo puede seguir siendo este hombre una máquina de discazos y de grandes canciones 35 años después de "In the City"?

Jack White-Sixteen Saltines
Si "Love Interruption" era la cara más sentimental y suave de Jack White, "Sixteen Saltines" salió con poca diferencia de la anterior para dejar claro lo mucho que vale Jack White. Es una canción rockera, pero no puedo decir que pegue a ninguno de los tres proyectos que tiene. Quizás entraría dentro de The Raconteurs, y ni eso. Mucha gente ya la ha puesto como una de las mejores canciones del año y no seré menos, porque realmente "Sixteen Saltines"es muy muy buena, muy pegadiza, rockera y demuestra que hay mucho Jack White y que le vamos a tener que aguantar, y yo contento que estoy con ello. Hay elementos típicos de él, como los punteos y solos mientras canta o los efectos distorsionadores de guitarra que hacen que parezca un sintetizador, como pasaba en "Salute Your Solution" de The Raconteurs. Quizás falle en que el sonido, sobre todo el de la batería, está muy comprimido, pero eso no evita que la canción deje de ser brutal. Jack, te queremos, sigue así.

Arctic Monkeys-R U Mine?
Arctic Monkeys han demostrado que están en sus mejores años y que es más, no van a desaprovecharlos. Y eso está muy bien, porque la racha creativa que lleva últimamente el grupo es increíble, alcanzando su punto álgido (hasta el momento) en el single que salió a principios de año, "R U Mine?", que rápidamente demostró que era de los temas más pontentes de la banda inglesa. Y es que lo vale, y mucho. Es pegadiza, es rockera y es sencilla. No tiene complicación, es un riff que varía toda la canción, pero es, sencillamente, brutal. De las 5 mejores canciones que han salido este año, le joda a haters o a ese grupo de fans que no quieren admitir que los grupos tienen que cambiar de actitud y Arctic Monkeys lo han hecho. Más rockeros y con más actitud que nunca, "R U Mine?" marca otro punto de inflexión en su corta carrera, en el que se elige el camino del rock, cosa que, por desgracia, muchos grupos no se atreven por puro miedo a las criticas, demostrando una falta bastante grave de personalidad. No es el caso de estos chicos, que por suerte, han prometido que el próximo disco irá por esta vía. Y yo bien contento que estoy con ello.

No estoy muerto

Solo estoy preparando el especial de fin de año del siglo. DEL SIGLO
Preparaos.

"En realidad este tío está vagueando"

1 año de Low Flying Owls: Noel Gallagher's High Flying Birds

¡Un año ya! No me creo que haya aguantado tanto. Gracias, gracias, de veras que os quiero. Madre, un año ya, quien me lo iba a decir. Primer aniversario de este blog, que creé hace justo un año con una entrada del "Noel Gallagher's High Flying Birds" y que me parece tan mala que he decidido reescribirla totalmente. Así porque me apetece. Así que os la tendréis que volver a leer. Bueno no, porque esto es un post nuevo, nada tiene que ver con aquel debut bloggero de hace un año.

Pero antes del disco, los agradecimientos. En primer lugar, al gran Aitor Díaz, de http://megamelomanos.com/, que fue una de mis inspiraciones y motivaciones para empezar en este mundillo. Deberías volver al blog, por cierto. En segundo lugar, a todos aquellos que me habéis apoyado durante este año, que me habéis leído, que habéis comentado o que me habéis insultado, simplemente. Y a los que me seguís, faltaría más.

Ha sido un bonito año de descubrimientos musicales, de discos nuevos, discos que han vuelto. Un año de acabar ese terror llamado 2º de Bachiller y empezar la universidad, de viajar, de ir a conciertos (Aún me quedan un par, no se librarán de mi) y bueno, de muchas cosas que no diré porque pertenecen a mi vida. ¡El caso! Ha sido un año divertido en esto de los blogs, espero durar más, aunque ultimamente esté más intermitente. Y musicalmente, ¿De quién fue el año 2012? De Noel Gallagher.



Superado ya sus temores tras un flojo final de 2011 y principios de 2012 (hablando de directo, porque el disco... Señor, que disco) y alejado de los fantasmas del pasado tras la separación de Oasis, Noel consiguió centrarse de una vez y hacer lo que tenía que hacer: darlo todo en directo. Y esto amigos, es un fenómeno que no pasaba desde hacía tiempo. Ya dije en mi post de la separación de Oasis que durante la gira de "Dig Out Your Soul" los conciertos en los que Noel se ponía en serio eran más bien pocos. Y así acabaron.

Ayudado por una banda (extraordinaria, por cierto) que pese a ser "la banda de Noel Gallagher" tiene potencial para establecerse, Noel empezó 2012 con bastante mejor pie. El álbum se había vendido bien, muy bien, pese a haber sido lanzado en Octubre, había doblado en poco tiempo las ventas del debut de la banda de Liam, Beady Eye y había cosechado un éxito de crítica, el mayor desde hacía bastantes años. Y con eso se motiva cualquiera, evidentemente.

Nominado a varios premios (de los que creo que no ganó ninguno), el éxito del disco fue evidente. Noel fue galardonado con el "Godlike Genius" en los NME Awards y pudo ganar el Brit Award a mejor artista masculino si... Si los Brit Awards 2012 no hubieran sido la mayor broma que he visto en muchos, muchos años. Peor que cualquier Grammy. Bueno no. Pero casi. ¿Ed Sheeran mejor que Noel Gallagher? ¿Coldplay mejor que Kasabian o Arctic Monkeys? De verdad... Al menos Blur tocó, porque el resto de la gala, menos eso y las actuaciones de Florence + The Machine y de Noel Gallagher, fue un timo de proporciones bíblicas.



Solo hay un problema en que Noel tuviera éxito: en que es Noel Gallagher. Y a Noel Gallagher se le sube mucho, mucho, muchísimo el ego. Y de pasar a decir "Me gustaría reformar Oasis en un tiempo" pasó a decir "Ni por todos los niños hambrientos del mundo". Que yo también lo entiendo, teniendo a un Liam que te llama "enanop" o repite incesantemente que tu disco es una cagada. Pero joder Noel, un poco menos de gilipollismo.

El problema no fue solo ese. Noel canceló el segundo álbum que tenía planeado, la colaboración con Amorphus Androgynous, y se pasó buena parte del año rajando de sus años en Oasis, sobre todo de la época tras "Be Here Now". Y bueno, eso me cabrea bastante. A mi y a cualquier seguidor. Finalmente, Noel decidió que después del (si que hay que admitirlo, tuvo que ser agotador) año que había tenido, era hora tomarse un descanso.

Así que sin Noel un tiempo, al menos durante gran parte de 2013, hay cosas que plantearse: la primera es, sin duda, que hará después del descanso. ¿Seguirá con los High Flying Birds? ¿Hará un disco con su nombre? ¿Hará flamenco? La segunda es obvia: ¿Cómo contraatacará Liam a la victoria inicial de su hermano? Tenemos a Beady Eye en el estudio y la última canción presentada ("The World's Not Set in Stone") tiene una pintaza. Y tercera: ¿Cuándo será el momento en el que Oasis vuelva?



Ay, y que decir del disco... Salió en Octubre del año pasado y lo he escuchado más que discos que llevo escuchando 4 años. No se que tiene que me hace ponérmelo una y otra vez. Es un gran disco. De lo mejor del año pasado. Ni siquiera es el mejor del año ni lo mejor que puede hacer Noel. Pero ese sentimiento que tiene, esa rabia, ese espíritu tan Noel Gallagher de libertad, de superación. Todo está ahí. Y quizás eso es lo que lo haga especial.

Ese inicio lleno de coros y arreglos orquestales que es "Everybody's On the Run" da todo lo que se espera de "The Chief". "Dream On" y su pop malhumorado está ahí y el trío "If I Had a Gun", "The Death of You and Me" y "Record Machine" es sencillamente genial. "AKA... What a Life!" es exactamente la canción que nunca haría Oasis y "Soldier Boys and Jesus Freaks" la letra que Noel nunca haría. Está "AKA... Broken Arrow", que nos recuerda porque Noel es Noel y está "(Stranded On) The Wrong Beach"con su extraño guitarreo que marca que se acerca el final, ese glorioso final que es "Stop the Clocks" y sobre todo, su último minuto.

No es mi disco favorito. Ni es el mejor disco que he escuchado. Pero un año después de empezar la aventura en esto de los blogs, si que puedo decir que es mi disco. El que ha estado ahí en momentos buenos o malos, al que le puedo sacar 40 interpretaciones por canción y aplicarlas a cada momento. Y quizás esa sea la magia de las ambiguas y cada vez mejores letras de Noel. Y la magia de la música, que es excepcional. No se, pero se que un año después, es la banda sonora de mi vida. O al menos de este último año.



Gracias a todos los que me habéis leído durante este último año. Tranquilos, no será el único.

¿Otro año más? No, por favor

The Piper at the Gates of Dawn

Que pocos años han sido tan espectaculares como 1967 es algo que ya se sabe. Musicalmente hablando. El año del verano del amor de San Francisco y el de la explosión y llegada al mainstream del movimiento psicodélico, que durante un par de años antes de había desarrollado en el underground más absoluto. Los espectáculos de luz y sonido, imitados en Londres en los clubes nocturnos que durante 1966 y principios de 1967 pasaron desapercibidos ante las autoridades, sirvieron como impulso del movimiento psicodélico. Acababa de nacer algo grande. Muy grande.

Originarios de Cambridge y mudados a Londres, el espectáculo principal de los largos conciertos de la escena underground londinense, sobre todo los del Soho, solían ser Pink Floyd, una banda de rock a la vieja usanza al que las inquietudes culturales y experimentales de los miembros, sobre todo del cantante y guitarrista Syd Barrett, habían llevado a un sonido cargado de distorsión, efectos, luces (si, sonidos visuales, yo me entiendo) y, en definitiva a algo nuevo. Porque en definitiva, no dejaba de ser una banda de rock a la vieja usanza. Pero con su toque, que acabó convirtiéndose en un estilo propio.

Todo el mundo conoce las dos alineaciones clásicas de Pink Floyd. La que estaba formada por Rick Wright, Nick Mason, Roger Waters y el extraño Syd Barrett y la que mantuvo a los tres primeros miembros y sustituyó al original cantante y guitarrista por el versátil David Gilmour. Hubo una época en la que la banda fue un quinteto y Syd y David coincidieron y otra en la que Roger ya estaba fuera de la banda, pero no dejaron de ser Pink Floyd nunca. Y todo empezó en 1966.



Cuando el cuarteto de Cambridge se trasladó a Londres para continuar su carrera musical, no se imaginaba lo que iba a pasar en el próximo año. La locura que fue Pink Floyd en el año 1967 y que acabó con la marcha de Syd del grupo. Ya desde los primeros momentos se intuía que Pink Floyd era algo nuevo. Su música no gustaba a la gente, a las masas, su música llegaba a la poca gente que de entonces aceptó ese sonido, ese sonido tan único que tuvo la banda en sus dos primeros años y que ninguna banda llegó a tener.

Y 1967 fue precisamente el año de muchos discos, de muchas bandas, pero sobre todo del underground londinense, del que Pink Floyd fueron los principales protagonistas, con sus espectáculos de luces y música que se basaban en los de la Velvet Underground, a pesar que nadie de los que formaban el "equipo Pink Floyd" (más allá de la banda, los técnicos de sonidos y de luces, los managers...) habían visto a la Velvet Underdroung en directo.

Pero había una diferencia abismal entre los miembros de la banda. Por un lado estaban ahí Roger Waters, Nick Mason y Richard Wright, que veían en Pink Floyd la oportunidad para triunfar, para ser estrellas de rock y tener una vida de lujos, de coches caros y de mansiones. Y después estaba Syd, que... Ay, para cuanto da lo de Syd. Podría hablar años y años sobre ello y de hecho esto escribiendo un artículo solo sobre él y... Hay tanto contado que no se por donde empezar. Si, Syd, a ver como me explico.


Syd era un artista. Y se le fue la olla mucho. Pero cuando digo mucho, es MUCHO. Vamos a ver, encerró a su novia 3 días en una habitación en las que estuvo viajando de ácido durante los tres días. Y eso es solo el principio. El problema de Syd fue muy básico: Cuando un gurú hindú no le aceptó en sus enseñanzas, Syd decidió alcanzar el nirvana y el espiritualismo y todas esas cosas orientales de una forma distinta: Yendo hasta arriba de ácido en cada momento.

Y Syd se volvió loco. Son muy sabidas las historias de hippies que en los 60 pasaron del "paz y amor" hasta arriba de ácido a acabar dementes en un sanatorio católico donde se les convertía en marionetas con intereses religiosos o electoralistas. Pues a Syd le pasó algo así, solo que después de armarla varias veces en directo, del episodio de la novia, de componer cosas cada vez más aleatorias y de... Bueno, demasiadas cosas, pues Pink Floyd se vio en la situación de contratar a David Gilmour para ayudar en directo a Syd, que finalmente acabaría siendo su sustituto cuando Syd fue expulsado de la banda.

Pero entre la marcha de Syd y 1967 pasaron muchas cosas, demasiadas para un año. Famosos ya por sus espectáculos musicales y apadrinados por el manager Peter Jenner, ferviente defensor de Syd, Pink Floyd lanzó su primer single, "Arnold Layne", seguido de "See Emily Play". Dos singles que demuestran el verdadero potencial de la banda en su primera época, en la época de Syd: la fusión perfecta que el demente y genial Barrett consiguió hacer, la de la psicodelia más pura con el pop convencional. Y el resultado, fabuloso.


Y ese mismo año, aparte de esos dos singles y "Apples and Oranges", otro sencillo de la banda, Pink Floyd grabó y lanzó su extraordinario, increíble, sensacional y único debut en el mundo de los LPs, convirtiendo su leyenda de banda de discos, que se asentaría en los 70 junto con bandas como Led Zeppelin. "The Pipers at the Gates of Dawn" fue un éxito de crítica y en parte ayudó a mantener la leyenda que duró casi 5 años, esa leyenda de que Pink Floyd sin Syd Barrett no eran nada.

Y aunque lo eran, no se puede negar el bombazo que es "The Piper at the Gates of Dawn". Solo por su comienzo, el riff introductorio de "Astronomy Domine", ya sabes que eso va a ser grande. Y cuando acaba y ves que entra la guitarra de "Lucifer Sam", ahí ya lo estás flipando. Las piezas se suceden en continuo, sin descanso y sumiendo al oyente en una atmósfera psicodélica de la que solo se sale cuando los extraños ruidos de "Bike" comienzan, una vez acabada ya la canción.

Está "Interstellar Overdrive", con ese, ESE riff, y sus 9 minutos de pura improvisación que en directo pasaba tranquilamente los 15 minutos. Y todo en medio de una sucesión de canciones por lo general cortas, pero efectivas, sin salirse de los patrones del disco, y que acaba con ese extraño final mencionado antes, el de "Bike". No se que hubiera sido de los Floyd si no hubieran echado a Barrett, no habría "Wish You Were Here" ni "The Wall", pero el legado de Syd, fue, sinceramente... Inalcanzable.

Coming Up

Suede fue la primera banda de aquella avalancha llamada britpop. La que golpeó primero con un discazo, la más infravalorada y la que más sufrió las puñaladas entre Blur y Oasis, porque en 1995 Suede estaban enterrados entre la marea mediática que habían provocado los dos gigantes ingleses de los 90. Pero Suede eran unos gigantes, de eso no cabía duda. El problema es que Suede estaban en una situación bastante peliaguda por esa época, sobre todo tras la salida de Bernard Butler, del grandísimo Bernard Butler, del grupo.

Las grabaciones del monstruoso "Dog Man Star" habían estado más tensas que nunca, sobre todo más tensas que las de aquel monumental single de 8 minutos llamado "Stay Together", que puede que fuera el techo de Suede en cuanto complejidad y experimentación se refiere. Y esto mismo destrozó a la banda, con un Butler harto que se largó del grupo en mitad de la grabación del segundo álbum del grupo. Pero Brett no se iba a quedar atrás. Richard Oakes sustituyó a Bernard, "Dog Man Star" fue un fracaso y Brett... Decidió darle un nuevo giro a la banda.

Así que con la nueva formación y la incorporación del teclista Neil Codling, la banda se embarcó en un tour breve, en la ruptura total con el sonido de la época de Bernard Butler y en la incorporación de estructuras más pop, melodías más directas y canciones más cortas. Nada de los 8 minutazos de "Stay Together". Porque además Richard Oakes tenía talento. No era Bernard, pero realmente la cantidad de temazos que aportó a Suede es enorme.



Así que Suede se metió en el estudio de grabación en 1995  de ahí salió lo que para mí es el techo de Suede. Ese rollo totalmente comercial, hecho para sonar en todas partes... Joder, me encanta. Mira que "Suede" y "Dog Man Star" son dos discos que oírlos una y otra vez es maravilloso, pero no hay disco que suene tan redondo de la banda de Brett Anderson como "Coming Up". Es brutal. Solo por empezar con "Trash" ya merece la pena.

El éxito fue brutal incluso en un año (1996) donde los reyes absolutos de la fiesta eran Oasis. Blur se habían retirado para sacar un año más tarde su disco homónimo tras la humillación de los Brit Awards, Pulp aún no se creían el triunfo de "Different Class" y Elastica empezaba su declive. The Verve se separaban y de Radiohead se esperaba poco pese al brutal "The Bends". Era el momento de Suede, era el momento de "Coming Up".

Y fue un bombazo. Número 1 en Inglaterra, singles exitosos que quedaron como clásicos, el reconocimiento (injustamente) perdido en "Dog Man Star"... La fiesta para Suede empezaba ese año, y de verdad que lo aprovecharon. Encabezaron el Reading de 1997 y las racha de singles exitosos no paró. El problema es que las expectativas, como siempre, se volvieron enormes. Demasiado grandes. Y eso, a veces, como pasó con Suede, es contraproducente.



1997 fue el fin del britpop, con "Be Here Now" y su (medio explicable, medio inexplicable) decepción, el homónimo de Blur y el "OK Computer" de Radiohead. Y en 1997 Suede sacaba "Sci-Fi Lullabies", el recopilatorio de caras b por excelencia del britpop junto con "The Masterplan" de Oasis, que demostraba que Suede era un grupo enorme. "The Living Dead", "Europe is Our Playground"... Pocas bandas tienen caras b así, la verdad.

La fiesta de Suede se hundió al año siguiente, cuando el britpop ya tenía poco que ofrecer. Precedido por la extraña "Electricity", "Head Music", el cuarto álbum de Suede, fue lo que se dijo un fiasco, pese a las altas ventas. Pero ya  nada era lo mismo. La electrónica había entrado en el grupo y las melodías rockeras de sus tres primeros discos habían sido sustituidas por clichés ochenteros. Por desgracia. Mientras Pulp se coronaba con "This Is Hardcore", Suede empezaba su declive.

Sin embargo, pese a todo esto, lo que demostró Suede con sus tres primeros discos fue tan grande e innegablemente genial que lo que hicieran después igual me da. Aunque no sea objetivo por ello. Suede entró en la leyenda del rock, y aunque nunca llegó a ser "La mejor banda inglesa" como anunciaba Melody Maker en 1991, se quedaron con su sitio en la música británica. Un sitio que si la vida fuera justa, sería mayor. Pero eso es otro tema.

Solo por el arranque con "Trash", (Oh Dios mío "Trash", que temazo, Brett hazme mujer, oh si) el disco ya cumple rodas las de la ley el clásico del rock inglés de los 90 que es, pero hay mucho más, por suerte. Si "Dog Man Star" es el disco redondo, "Coming Up" son los temazos. Ahí está "Filmstar" con su arranque de glam setentero sacado de David Bowie y ese estribillo tan perfectamente pop. Como dije, "Coming Up" es un álbum de temazos y se demuestra en que incluso las canciones que no fueron singles tienen potencia para entrar en las listas de éxitos.

No está Butler, pero por mi bueno que fuera Butler, no hizo "Beautiful Ones" que es una canción que joder... Yo quiero componer una canción tan sexual y buena como "Beautiful Ones", y ahí está Brett Anderson para demostrar que el tiene el talento, cogiendo los "lalalas" y haciéndolos bellos en vez de ridículos... Ay, que me emociono. "The Chemistry Between Us" y sus 7 minutazos de arreglos orquestales e influencias de décadas pasadas.

Está "Lazy", que es un temón, no un hit como "Trash" o "Beautiful Ones" pero es imposible no rendirse ante esa distorsión de guitarra. "She", sucia y malhumorada pero con el toque galán de Brett Anderson, que nunca falta. Y el cierre, la preciosa balada "Saturday Night". Ya nadie cuida los cierres de discos así. Y es una pena. Y sobre todo, muy pocos grupos, por no decir ninguno, hace discos tan buenos y que lleguen tanto como "Coming Up". Y de una manera tan buena y tan elegante como la de Brett.

¿Jarvis qué?

INA

Me gusta el shoegaze. Lo admito. Desde aquel día que me dio por escuchar a My Bloody Valentine me enamoré de ese género ruidoso del underground ochentero y de principios de los 90 en Inglaterra con grupos como Ride, Slowdive o los mencionados anteriormente, My Bloody Valentine, que dejaron un legado musical impecable y una influencia bastante mayor de la que parece, sobre todo en los circuitos alejados de las listas de éxitos. Ahí están The Horrors, mezclando sus influencias de este estilo con el rock psicodélico de los 60, o Ringo Deathstarr (Pedazo de nombre), aunque los segundos mucho más fieles al estilo original.

La influencia en España es innegable, ahí están Los Planetas, aunque con un estilo mucho más pop y “aflamencao”, ahí está Triangulo de Amor Bizarro, que la verdad, no son santo de mi devoción y ahí están unos gallegos en los que he caído estos días que la verdad son… cojonudos.

INA, lanzado en Septiembre de 2012, recoge las influencias del krautrock, del rock psicodélico y del shoegaze más puro, como si se tratara de la respuesta nacional a grupos como S.C.U.M o TOY. 

Empezando con la potentísima “Magnicide”, cuando llegas a “Satin Dolls” ya te das cuenta que estás ante un gran disco, sobre todo en comparación con el volumen de gente que conoce al grupo. Las canciones se suceden en un ambiente atmoférico continuo, recordando a esas sensaciones (salvando las distancias) que produce el “Loveless” de los Valentines. “Bonsoir Ina” pasa como un huracán y “A Bigger Soul Than My Heart” recuerda al pop underground inglés de la época de The Jesus and Mary Chain. El disco sigue y sigue y ahí están “The Outside Ghost”, “Silver Rain” y demás canciones que hacen que el disco no llegue a tener ningún altibajo claro, y que enganche en sus 49 minutos a pesar de la homogeneidad de sus canciones, que quizás sea el punto flojo del disco. Pero por lo demás, no es excesivamente denso y nos permite disfrutar de un finalazo de disco como es “Dream K”. ¿Qué donde podéis encontrar el disco? Pues en la página web está para escuchar. Y merece la pena. 

http://www.munichsound.es/